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但这是艺术吗?

罗伯特·巴拉

艺术的辩证法,作者:约翰·莫利纽克斯(John Molyneux),干草市场书刊(Haymarket Books),271页,24美元,国际标准书号(ISBN):978-1642591316

艺术的辩证法 约翰·莫里纽克斯(John Molyneux)的著作反映了从文艺复兴时期到当今,视觉艺术在西方社会中所扮演的角色,这无疑是马克思主义者的性格反映。但是,我敦促读者不要因此而被关闭。这既不是政治上的曲折,也不是对视觉艺术的理性,书面的批判。这是一个经过深思熟虑的概览,概述了艺术与多个世纪以来的经济学,政治和自然之间的复杂关系。

显然,在接触像这样的书时,需要对艺术史有一定的了解,其中包括对特定艺术作品的引用。作者承认这一事实,承认他本来希望将文本与图像包装在一起,但显然,这种努力的生产成本被证明是高昂的。另一方面,他提醒我们实际上文本中提到的每个图像都可以轻松地在线访问。

开头一章探讨了一个简单但经常令人困惑的问题“What is art?”。约翰·莫里纽克斯(John Molyneux)指出,他的目的是为他所指的资本主义或资产阶级时代定义艺术-大致是从文艺复兴时期开始一直到全球存在,他的理由是,文艺复兴时期才有了现代概念。艺术开始出现。

在中世纪,我们现在认为的艺术品通常是在公共工作坊生产的,因此没有个人著作权。艺术家和工匠的作品之间几乎没有区别。托马斯·阿奎纳斯(Thomas Aquinas)谈到制鞋,烹饪,杂耍和语法等艺术,重点放在绘画和雕塑上。直到15世纪末,艺术职业才开始与手工艺区分开。 

根据美学史学家阿诺德·豪瑟(Arnold Hauser)的说法,米开朗基罗成为最早宣称这一观点的艺术家之一“独立性来塑造从第一笔到最后笔画的整个作品”。这是一个非常重要的区别。正如Molyneux所说,“艺术的决定性特征可能是产生它的劳动”.

随着资本主义缓慢而蓄意的发展,绝大多数人的劳动不是由个人选择而是由从这种制度中获利的人决定和控制的。结果,大多数工人与其劳动产品之间的关系变得不令人满意,因为他们常常对生产的产品没有创造性的投入。另一方面,根据Molyneux的说法,艺术家成为这种困境的一个例外,“画家控制着绘画作品的创作,诗人的诗歌创作,作曲家的音乐创作等等。”。然而,这种个人控制并不总是不受挑战的。赞助人,无论是教会的还是世俗的,经常试图影响艺术家’出于意图,如今,评论家,策展人和不受监管的艺术品市场都在努力做到这一点。

Molyneux是第一个承认艺术家不是唯一对其劳动有一定控制权的人。例如他提到一个人’的配发工作或“work”为了娱乐而运动,但坚持认为没有人敢说他们所做的是艺术。 

那么,是什么使艺术家的作品与众不同,并且在某些情况下具有真正的意义? Molyneux辩称,只有当艺术家的创造性努力体现出形式和内容的成功融合时,才可以将其视为具有某种意义的艺术品。他定义“content”作为一件作品的总和’的情感,智力和心理意义,以及“form”作为特定作品的具体构成;在绘画的情况下“放在画布上的每个笔触”.

在我看来,艺术品的形式不仅包括其结构安排,还包括所涉及材料的性质及其实际部署。因此,总而言之,Molyneux认为“艺术是由无异议的人类劳动产生的作品,其特征是形式和内容的融合或统一”.

作者在第二章中建议“[艺术]的判断或多或少是不可避免的”然后加注“有关如何做出判断,由谁决定以及根据哪些标准的问题”。就John Molyneux而言“艺术的判断是一个社会过程” which “通过一系列机构运作,并在策略上将个人置于这些机构中” and he infers that “关键决策是秘密做出的,从未解释 ”.

在视觉艺术领域,可以确定审美判断的关键人物。他们是评论家,历史学家,博物馆和美术馆馆长以及拍卖商。在他的讽刺文章中“The Painted Word”,汤姆·沃尔夫(Tom Wolfe)狠狠地观察到“公众接受或拒绝现代艺术中任何事物的观念仅仅是一个浪漫的小说。游戏已经完成,奖杯在公众知道发生了什么之前就已经分发了。花费数十亿美元购买唱片并在体育场举办演唱会的公众,£单部电影1亿部;这个公众会影响文学,音乐和戏剧的品味,理论和艺术观。艺术从未如此。”

长期以来,艺术评论家,策展人等都倾向于认为审美评估是一个问题。“intuition”;有些人看到一个简单的艺术品就知道他们“他们的判断通常以赞成或反对表示–精通,精湛,有趣,具有挑战性与平庸,衍生和说明性”.

Molyneux坚持认为这种方法具有“上流社会势利势力的强大元素”取而代之的是,坦率地检查某些标准可能会提供一种更有效的艺术判断方法。这些标准如下:“模仿,技巧,美丽,崇高,道德,情感能力和表现力,创新与批判”. It’s curious how “mimesis”准确描绘自然的能力,“skill”,部署获得的手动技巧和“beauty”过去曾是评判艺术的主要特征,但现在大多数主流鉴赏家已将其下调为支持“innovation”。 Molyneux坚持认为,这种观点已渗透到当今的艺术写作语言中,“随着诸如‘cutting edge’, ‘pathbreaking’ and ‘seminal’, while ‘derivative’与‘uninteresting’, a major put down”.

第二章后面是精选的关于特定艺术家和展览的已发表论文,这些论文明显地强调了作者’对艺术批评的方法。例如,在他关于米开朗基罗的文章中。 Molyneux对一个普遍观察到的观念提出了质疑,该观念是他地位提升的主要解释是他被任命为天才。根据艺术史学家恩斯特·冈伯里希(Ernst Gombrich)的说法:“人们无法解释天才的存在。最好享受它。”

然而,Molyneux在承认米开朗基罗的巨大个人才能的同时,指出,这种才能的蓬勃发展实际上与佛罗伦萨城市国家的富裕相吻合。根据作者的说法,“应当指出,艺术协会‘golden ages’在艺术史上很常见…和往常一样,最深刻地渗透到它并对其作出最有力反应的艺术,其时代的社会关系和力量也是达到最大‘universal’ appeal and validity”.

在他倒数第二章中“How Art Develops”,作者不认为“一般的思想和意境,尤其是图像落入艺术家的脑海“from the sky” or arrive there by “divine inspiration”’为了开始他的挑战,他引用了马克思的话:“经济基础的变化迟早会导致整个巨大的上层建筑的转型”,正如他强调的那样,“显然,艺术是上层建筑的一部分”. He suggests that “如果单个艺术品受经济和社会基础的制约,并且始终与之保持明确的关系,那么艺术史的广泛发展也是如此– ‘movements’ and ‘periods’”.

这是一个重要的命题,因为它直接与许多艺术史学家矛盾,他们经常坚持认为艺术史只是艺术史,结果往往没有提及任何相关的政治,社会或经济现实。这种趋势在20世纪中叶达到顶峰,当时克莱门特·格林伯格(Clement Greenberg)等批评家坚持认为,任何意义重大的绘画唯一有效的主题是艺术本身。一位艺术家内心的朋友喜欢用以下简洁但愤世嫉俗的术语来描述艺术历史难题:“每个时代都会得到应有的艺术”.

在他的最后一章中,“现代主义的辩证法”,Molyneux建议“有可能在现代主义的整体轨迹中确定两个特殊的辩证过程”。他首先称呼“分化辩证法”。他提到这是由于“社会变革的快速步伐,‘originality’ and ‘the new’以及新兴艺术学校的自我主张或艺术市场和艺术世界竞争丛林中的趋势…每一代人都倾向于强调其与前辈的差异…因此,印象派以强调形式为代价来强调光线和色彩,紧随其后的是苏拉特,然后是Cé赞尼,他重新介绍了形式”, and so on.

作者认为,现代主义工作的第二大辩证法是民主化与精英主义之间的冲突。根据Molyneux“艺术中的民主化进程是对政治民主崛起的反映和回应,而政治民主主要是由美国和法国革命引发的…但是,民主化的趋势一直存在于辩证关系中,强烈地倾向于精英主义。”.

视觉艺术家可能希望代表普通百姓的生活,但这种渴望通常可以被必要性所抵消“吸引少数有钱有特权的人‘patrons’,而不是像音乐或文学那样,通过大众传播和大规模销售”.

最后,我可以说,虽然我同意Molyneux’在一般论文中,我与他的某些判断不一致,尤其是在涉及当代艺术时。他为达米安·赫斯特(Damien Hirst)和特蕾西·艾敏(Tracey Emin)等艺术家进行了有力的辩护。我仍然无法像Vel一样说出他们的名字ázquez and Rembrandt.

1/2/2021

罗伯特·巴拉 是一位艺术家。

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